El Caballero de la Noche Asciende

¿Decepción? Si, ¿la mejor película del verano hollywoodense? También y por mucho. Me explico, con Christopher Nolan uno siempre espera lo mejor que me sorprenda y que me invite a la reflexión, en este caso The Dark Knight Rises no está a la altura de los mejores trabajos del director, pero se eleva muy por encima (como el murciélago) sobre el resto de los productos comerciales que han invadido los cines este verano.

The Dark Knight Rises es una historia muy completa sobre el mundo en que vivimos. De hecho se trata de un retrato muy minimalista sobre la realidad actual de los Estados Unidos; crisis financiera, batalla contra el terrorismo, lucha de clases incluso la búsqueda de la libertad. Todo esto es combinado con una excelente historia de un héroe con miedo y sufrimiento, pero que tiene un objetivo muy claro: salvar a su ciudad.

Del otro lado tenemos a Bane, un terrorista que no es sino la misma realidad de los criminales actuales, un hombre con ideales políticos radicales que cree en la violencia y en la limpieza social como única alternativa (según él) de una sociedad más estable y justa.

Desde el principio la película no engaña a nadie, el camino está muy bien definido hacia donde nos lleva el esperado desenlace. Se trata de una historia que nos lleva a la redención, a la esperanza a la libertad, ya sea de un hombre o de toda una ciudad. Con una narración muy fluida, son casi tres horas de metraje que se pasan volando alternando escenas de acción, con momentos donde se busca profundizar en la psique del personaje principal y secuencias realistas del mundo actual. Quizá la película encuentre ciertos baches de guion y exceso de personajes, asi como abundancia de buscar un peso importante para cada uno.

A uno le podrá gustar la historia o no, le podrá interesar o no, le podrá emocionar o no, lo que no hay duda es que el producto trabaja como un reloj suizo gracias a que detrás de las cámaras se encuentra un director perfeccionista y sobre todo eficiente en la utilización de sus recursos. Fotografía, montaje, efectos y música, todo marca de la casa que nos hace saber desde el primer minuto de quien es la película. No se trata únicamente de escenas de acción y una producción avasalladora, la historia está por encima de la producción como tendría que ser en todas la películas.

¿Comercial? Si claro, pues se trata de Batman y el producto está dirigido hacia las grandes masas y por ende hay mucho momentos que no puedan agradar a los más críticos, y están en todo su derecho, pero hay que tratar de ver las cosas como son, y este Batman es una película de superhéroes pero que busca ir más allá.

Una pequeña mención especial se la daré primeramente a Anne Hathaway, que cayó bocas después de ser una de la elecciones de casting mas controvertidas, ella demuestra ser un gran Gatubela; sensual y peligrosa, que tiene momentos muy notables. Y también decir que en sus pocas escenas el mejor del elenco me ha parecido Michael Caine, hay una escena muy en particular en la que esta tremendo y me ha hecho estremecerme.

¿Predecible? Claro, si se leen 100 teorías sobre lo que podía pasar en uno de los más esperados desenlaces de los últimos años, y esto cogiendo pedazos de cada una de esas teorías. Aquí las cosas hay que verlas de otra manera, si uno va virgen no sabiendo nada del personaje lo predecible no está en ningún lado, es más se trata de un gran final que además posee referencias a las 2 cintas anteriores y en las que los diálogos cuajan de una forma maravillosa. Quizá el giro de tuerca del final si está de más, se lo pudieron haber ahorrado asi como la participación de un actor en la película, no diré quien, pero parece que Nolan le tiene mucha confianza, si no no se entiende su inclusión.
Lo del final me ha parecido Nolan en estado puro, por lo mismo habrá quienes no les guste y se le pueda acusar de querer pasarse de listo, en mi punto particular me ha encantado y por si fuera poco le ha dado a la Warner una forma de seguir con una saga que le ha generado grandes ganancias, y todo sin afectar el legado de las 3 películas.

The Dark Knight Rises representa lo mismo que El señor de los anillos y Toy Story en sus respectivos géneros, es la trilogía definitiva sobre el super héroe, anti héroe o villano, una trilogía que nos ha regalado grandes momentos y personajes fascinantes, un trío de películas que guste o no ha cambiado todo un sub género y que ha marcado a toda una generación del público del cine comercial.

The Amazing Spiderman

Si se hiciera una encuesta de cuáles son las películas más innecesarias que se han hecho en los últimos años no tengo la menor duda de The Amazing Spiderman de Marc Webb estaría en esa lista y no porque sea un bodrio; para nada lo es, sino por la cercanía de años con la que se reinicia la historia con respecto a la trilogía de Sam Raimi la cual fue un gran éxito de público e incluso de crítica.

Pero bueno primero verla y luego a juzgar cada uno, y yo no tengo dudas tras verla, la nueva película de Spiderman es un producto bien realizado, agradable de ver, con una gran banda sonora del señor James Horner y excelentes efectos visuales, pero que no nos muestra nada nuevo y no sorprenderá a nadie.

La nueva historia del arácnido es prácticamente la misma que nos conto la Spiderman del 2001, solo cambia un poco el tono de la historia, menos humor, una diferente chica Spidey y un villano nuevo. En cuanto a esto podemos decir que le han dado a Gwen Stacy el lugar que se merece en esta historia como el primer amor del protagonista, una interpretación angelical de Emma Stone, una chica que casi cualquiera quisiera por novia, puede causar mucho más empatía a las espectadoras femeninas que la propia Mary Jane. En cuanto a el Lagarto se trata de un villano muy sucio, con un poder físico más impactante que otros villanos, aquí se respeta algo muy importante de los otros villanos de la saga, el Dr. Connors es un hombre que fue obligado a su transformación en villano tras un fracaso científico.

Andrew Garfield ha dado el ancho para crear un Spiderman muy increíble como bien el título lo dice, sin embargo le ha quedado muy grande el papel de Peter Parker. Si algo fue el responsable del éxito de las películas de Raimi era precisamente el toque humano que le imprimió al personaje de Peter ayudado de un Tobey Maguire que encajo a la perfección en este papel, aquí lamentablemente hay muy poco de eso, hay mucho de Spiderman pero hay muy poco de Peter Parker. Culpa del guión y culpa del actor a la vez, esperemos que en las secuelas este error tan garrafal se corrija.

El guión como dije no solo no profundiza en el personaje de Peter sino que además no consigue ese encanto que tiene esta historia, muy desperdiciado el personaje de la tía, Sally Field es una gran actriz pero el guión no le ayudado a su personaje y hace que extrañe a Rosemary Harris, tenemos una progresión muy tropezada de historia y en general unos personajes muy frios.

No suelo ser muy duro con las películas de super héroes, e incluso puedo decir que esta me gusto lo necesario, sin embargo después del listón tan alto que dejo la segunda parte del arácnido tras la batuta de Raimi aquí está claro que les ha quedado muy grande el paquete.

Tan simple como si te gusto The Avengers y vas con la expectativa para una buena dosis de acción y pasar un rato agradable The Amazing Spiderman te cumplirá pero si no te gusto la reina de la taquilla de este verano deja pasar la película de Marc Webb y réntate la Spiderman 2, esa tiene el Peter Parker entrañable y ese encanto que se requería aquí.

Prometeo (Prometheus)

Muchos secretos se guardaron en torno a lo que sería el proyecto de Ridley Scott que significaría su regreso a la ciencia ficción, y cuando los rumores se empezaron a dirigir a que esta sería una precuela de su clásico Alien las expectativas subieron más, la mercadotecnia hizo su trabajo y finalmente ha llegado a nosotros.

Prometheus más que una precuela, yo diría que es un spin off del universo de Alien, estamos ante una historia totalmente nueva ambientada en el mismo contexto, esta vez tocando temas más actuales y polémicos, Scott busca preguntas no solamente al origen de la humanidad sino al origen del universo, plantea nuevamente la siempre batalla entre humano vs maquina, o creador vs invento, así también entra en una posible tesis sobre la destrucción de la humanidad.

Lo cierto es que mucho de estos temas solo están tocados de manera superficial, el guión no se adentra como uno hubiera deseado dentro de estas intrigantes cuestiones o temas, pero si nos regala una película de aventuras espaciales que funciona pero que no impacta o emociona, una película en la línea del cine de evasión que el director busca tomar como pretexto para volver al género que lo llevo a las grandes ligas. Scott se mueve como pez en el agua en su mundo y crea una película visualmente impactante aunque narrativamente con sus grandes fallos.

La mayor aliada de Scott en este viaje sin duda se llama Noomi Rapace, la actriz como ya demostrara en la versión sueca de Los hombres que no aman a las mujeres, es capaz de crear una heroína muy fuerte y esta vez le agrega ese toque de humanidad que quizá le faltaba a la otra, asi su Elizabeth es un personaje sumamente eficaz que busca seguir la misma línea que la mítica Ripley. Una interpretación muy lograda que encabeza un reparto bastante disparejo, donde igualmente Fassbender logra llegar a lo notable o vemos a una Charlize Theron sumamente desaprovechada.

De un ritmo bastante adecuado Scott mezcla escenas de acción, con algunas con bastante complejidad hasta algunas que recuerdan al terror que provocaba Alien, sin embargo lo que funcionaba hace ya más de 30 años ya no funciona tan bien ahora, aun asi Scott nos regala un par de escenas extraordinarias, rodadas magistralmente y que logran un gran impacto en el espectador. Entre lo malo la película tiene una resolución muy floja, precipitada, con un aire de decepción.

No estamos ante un nuevo clásico del género ni ante una película rompedora, pero si quizá ante el inicio de una nueva saga dentro de un mismo universo que esperemos esta vez su progresión no vaya en caída libre y que se le busque dar un mejor tratamiento. Ridley Scott no decepciona si te acuerdas de sus últimas películas, pero si uno espera mucho más pues mejor ver la original del 79.

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Alois Nebel

No cabe duda de que en Europa quien manda en la animación son los franceses que entre muchas otras nos han regalado joyas como Persepolis o Bienvenidos a Belleville. Buscando seguir sus pasos ahora le toca el turno a la República Checa de incursionar en el mundo de la animación mediante una historia profunda, compleja y adulta como lo es Alois Nebel.

La historia se centra a finales de los años 80s en una pequeña estación del tren donde trabaja nuestro protagonista Alois Nebel que pronto sus fantasmas del pasado volverán para atormentarlo. En fondo esta película bien podría pasar por una del cine oriental, más en concreto al cine de Kurosawa, pero a mí la que más me ha recordado, ya fuera por su contexto europeo, por sus trenes, por sus temas nazis, por estar hecha en blanco y negro es a Europa de Lars von Trier.

El mayor atributo del debutante Tomas Lunak es conseguir un protagonista excelentemente dibujado que impacta inmediatamente con el espectador. Para esto el director nos centra en su rutina, en su soledad, en los fantasmas que lo persiguen y nos deja conocer mediante flashbacks más de su vida pasada. Pronto la historia también se mete con lo surrealista, lo que aumenta tanto la complejidad de la misma pero al mismo tiempo el interés. Si bien durante el metraje no existen momentos que vayan a quedarse en la memoria de uno, podemos decir que Alois Nebel es una historia bien contada, con algunos baches, pero que durante los poco más de 80 minutos de duración consigue sus objetivos de mantener el interés en la historia del protagonista.

Y si bien he mencionado que Francia es el rey de la animación en Europa, es justo decir que visualmente Alois Nebel es la mejor. No posee quizá la tecnología de Pixar ni los paisajes maravillosos del anime, pero a mí me ha dejado impactado, merito todavía mayor ya que es en blanco y negro. Las escenas en la estación de tren son maravillosas, como se juega con las luces, con la sombras, con la rapidez de los objetos, por momentos haciendo olvidar que es animación, todo está soberbiamente filmado.

No será la mejor película animada de la temporada pero si la mejor propuesta, lástima que el recuerdo del visionado vaya a jugar mucho en su contra, de todas formas Alois Nebel es una por momentos notable película, madura e inteligente, una muestra más de que en Europa también este género alza la mano para competir con las grandes producciones americanas.

W.E.

Una más que interesante incursión de Madonna tras las cámaras, con muchos defectos pero también numerosas virtudes, W.E. es la carta de su directora a la mujer y la forma en que vive, enfrenta y siente el amor.

W.E. nos cuenta dos historias, situadas en un tiempo diferente, la primera de ellas narra como el Rey Eduardo (hermano del Rey Jorge de The Kings Speech) renuncia al trono para poder estar al lado de la mujer que ama, la segunda historia, ya ficción, una mujer que es sometida por su esposo y encuentra refugio en un guardia de seguridad. Por su narratividad y el uso de historias paralelas en una época diferente pero unidas mediante un lazo, recuerda a The Hours pero más que a ninguna otra a Las tres edades de Buster Keaton por la forma de retratar como el amor a pesar de los cambios históricos no cambia y sigue siendo uno en esencia.

Madonna claramente nos demuestra que es apenas una amateur como directora, el ritmo de la historia flojea por momentos y la vuelve un poco aburrida, sin embargo encuentra sus mejores momentos; algunos de ellos muy brillantes, a la mitad del metraje donde consigue exprimirle además el mayor jugo posible a sus personajes. Tampoco la Reina del Pop es una gran directora de actores, si bien todos están bastante correctos no hay uno que se salga o que sorprenda, la que más se acerca a esto es Andrea Riseborough. Donde le he visto su mayor talento a la diva es en el uso de la cámara sin duda, colocándola en los lugares perfectos, moviéndola brillantemente, sacando el mejor provecho de la imagen que nos muestra.

De gran factura posee un notable trabajo de montaje, fotografía y una perfecta ambientación. Pero quien se lleva los aplausos es sin duda y por mucho Abel Korzeniowski y su banda sonora magistral, no solo una de las partituras, sino cada una de ellas, en especial el tema de piano me penetro agradablemente el oído. Quizá la mejor banda sonora de la temporada.

W.E. nos hace pronosticar un futuro bastante prometedor para su directora, decir que firmará una obra maestra suena descabellado pero bien puede hacer películas muy destacadas, y esta lo es por momentos, sin embargo se queda en una más que aplaudible intención.

Shame; Deseos Culpables

El sexo, es el mayor acto de amor que puede existir entre dos personas, socialmente correcto se le conoce también con las palabras “hacer el amor” mientras que religiosamente hablando se espera que este acto surja únicamente con la finalidad de procrear. Por eso ante las leyes que el hombre; para medir lo que es aceptable para la sociedad, las personas que practican el sexo con objetivos únicamente placenteros son tachados como depravados, sexosos, en resumen personas que no aceptadas totalmente por esta sociedad tan cerrada.

Shame es una película que es la antítesis de lo que socialmente es correcto en cuanto al sexo, esta es una historia que nos relata la rutina de vida de Brandon, un hombre treintañero atractivo, con fortuna con las mujeres, con un muy buen y estable trabajo, con un departamento muy bonito, en teoría uno pensaría que su vida es fantástica. Sin embargo el director Steve McQueen utiliza el bisturí para entrar en las más oscuras y secretas entrañas de la vida de nuestro personaje principal y entonces nos presenta a un hombre solitario, cuya vida gira en torno a sus satisfacciones sexuales, buscando mujeres con las cuales acostarse, masturbándose a cualquier hora del día, viendo pornografía en revistas y películas, estamos ante un adicto sexual, una persona rechazada por la sociedad correcta.

El director nos sumerge en una atmósfera en la que el espectador se siente incomodo, sugiere con cada toma, desde el plano inicial nos damos cuenta que estamos ante algo diferente, ambientada en New York, aquí no existe esa ciudad bella y de sueños que nos presenta un cineasta como Woody Allen, no, aquí el bisturí también se emplea para ver a una ciudad más como la de Taxi Driver de Martin Scorsese, es un Manhattan más oscuro, más terrorífico, más negativo, las avenidas y edificios parecen estar situados más en un infierno que otra cosa, y por si fuera poco lugares tan comunes como el baño, la cama, el metro, son utilizadas tan sugerentemente que nos evocan horror e incluso tristeza.

Pero el trabajo tras las cámaras de McQueen no se queda únicamente en la creación de la atmosfera sino que además se mete de lleno en el personaje para darnos toda una tesis sobre él, tan solo le bastan los primeros 10 minutos para retratarlo a la perfección para luego adentrarnos todavía más en sus miedos, en sus sentimientos, en sus tristezas, un verdadero trabajo psicológico que no podría ser si no fuera por otro gran personaje como es el de su hermana Sissy, otra personalidad diferente, perdida en un mundo correcto y cuyos mayores sueños la llevan a subirse a un escenario. Dos personajes excelentemente dibujados en todos los niveles que despiertan en el espectador sentimientos de todo tipo, odio, tristeza, y ¿por qué no? Empatía.

Ahora vamos a darle un párrafo a los intérpretes de estos dos personajes tan singulares, primero Carey Mulligan cuya mirada y rostro de inmediato se adueña de la pantalla, con un manejo de matices brillante, hace suyo un personaje sumamente complejo, pero no tan complicado como el de Brandon que es magistralmente interpretado por el señor Michael Fassbender en una interpretación poderosa en todos los sentidos, ya sea en las escenas de sexo, en las de silencios prolongados o en donde estalla su personalidad, el siempre esta excelente. Parece que fue un personaje para el que nació.

Aunque pareciera que McQueen no utiliza muchos artificios para su trabajo de dirección estamos equivocados, si bien hay mucha cotidianeidad en la historia que está contando lo hace mediante planos fijos y silencios que transmiten más que mil palabras, y por si fuera poco posee una elegancia para mover la cámara maravillosa, los planos secuencia son sobresalientes como aquel que sigue a Brandon mientras va corriendo por  la oscura New York. Para su gran climax el director se compara con un genio de los climax como lo es Darren Aronofsky, por momentos uno recuerda a Réquiem por un sueño por lo crudas y fuertes de algunas escenas que son acompañadas de una magistral partitura lynchiniana y un montaje exacto, preciso, no se necesita más.

Estamos presenciando una película muy arriesgada y muy valiente, con uno de los temas menos tocados por una sociedad tan moralista, y aquí nos lo muestran como esta sociedad lo ve, como algo satanizado y vergonzoso, como si se tratara de un crimen, donde Brandon es el delincuente, no utiliza una pistola o un cuchillo, pero la sociedad lo rechaza, le tiene miedo a este tipo de personas. El sexo es tratado como una droga también, no se trata de un alcohólico o un drogadicto, se trata de una droga más penetrante al alma, algo que pasa de lo natural a lo demencial, que igualmente te transforma y te destruye. Entonces ¿Qué es el sexo? ¿Amor, placer, crimen o droga? Al final cada espectador tiene su respuesta, cada uno lo siente y lo vive de una manera diferente, aquí no hay respuesta pero si un retrato muy poderoso y tremendo de una de las caras de este acto que tiene la misma antigüedad que el ser humano.

Shame es una joya cinematográfica que nos ha dado el cine en los últimos años, valiente, dura de ver, realista, poderosa, incorrecta, humana, todos esos adjetivos posee esta película que no es apta para todo el público pero que es necesaria de ver, es duro aceptar que hay este tipo de situaciones pero es una realidad que toca a muchas personas. Señoras y señores, cine de verdad, cine en su máximo esplendor, cine que te toca, te pervierte, te sacude y te conmueve.

Mi semana con Marilyn (My week with Marilyn)

Un biopic típico, convencional, entretenido eso sí, es el resultado de la película que narra el detrás de cámaras de la película El príncipe y la corista donde la protagonista Marilyn Monroe sostuvo un romance con uno de los asistentes de la producción, lleva por nombre acertadamente Mi semana con Marilyn, y como su historia la película es simplemente una anécdota más.

El principal problema que hay en esta película sobre la sex symbol es que es demasiado correcta, no hay un riesgo, todo va en una línea muy definida y nuca busca conseguir más, desde su guión, pasando por una dirección de telefilm muy mejorable e incluso las actuaciones, de las cuales hablare más adelante.

El director Simon Curtis realiza un trabajo demasiado discreto, realmente pareciera que no existe un director detrás de las cámaras, todo se ve muy plano, la película se ve estéticamente bien pero carece de alma. Lo mejor que nos ofrece esta película es el interesante retrato de entrar dentro del mundo del cine, para esto se toma como pretexto al personaje principal Colin, un joven que ama al cine y busca ser parte de este mundo.

Ahora hablemos del personaje de Marilyn Monroe, la sex symbol, todo un mito dentro de Hollywood clásico, una de las musas de Billy Wilder, una belleza y sensualidad únicas e indiscutibles, y lo que uno esperaría es que el personaje fuera descubierto hasta su parte más humana, incluso en la película se hace alusión en más de una ocasión a su parte no famosa, y sin embargo a mi me ha parecido que la profundización se ha quedado a medias, y que incluso por momentos hacen ver al personaje muy caricaturesco, y aunque hay momentos humanos realmente no logran tener trascendencia.

Michelle Williams ¿Dónde quedo tu naturalidad y fuerza interpretativa de Brokeback Mountain o Blue Valentine? Aquí hay muy poco de eso, forzada en ocasiones, uno que otro momento brillante pero me ha dejado bastante indiferente en realidad, una nominación bastante regalada, tal parece que tendremos que esperar a que Naomi Watts si pueda llenar los zapatos de este gran mito que es Marilyn. Me quedo con Eddie Redmayne que está bastante notable y los mejores momentos caen en Kenneth Branagh, que está muy bien como su ídolo Laurence Olivier, de Oscar no creo que este pero destaca. Para los fans de Harry Potter, Emma Watson demuestra que tiene gran talento, aquí aprovecha sus momentos en la pantalla, no hay rastro de su Hermione.

Mi semana con Marilyn es una película muy amable, interesante de ver y que se olvida muy fácilmente, como dije es anecdótica como la historia que nos cuenta, a esperar ahora que el director de Jesse James se arriesgue un poquito más y nos regale una película que profundice mas en la leyenda de Marilyn Monroe.

La Invención de Hugo

Martin Scorsese hace un cambio de registro de 180° en su nueva película que lleva por nombre La invención de Hugo, del género de crimen da un salto enorme para realizar su primer película familiar, y por ende la más accesible de toda su filmografía, sin embargo no por ser para todo el mundo quiere decir que el genio del director de Toro salvaje no esté presente, al contrario, son muchos los momentos en los que se ve la mano de un maestro detrás de esta maravillosa historia.

La película empieza con una introducción de 10 minutos donde conocemos a Hugo, su hogar, sus problemas, su sueño. Con muy poco dialogo en este inicio Scorsese crea el mundo para el espectador, con notables planos secuencias filmando los recorridos del protagonista por la gran estación en Paris, que por cierto solo con estos minutos a la dirección de arte le basta para que el Oscar sea suyo, un monstruoso trabajo de decorados impresionantes y con un gusto por el detalle exquisito.

Para hablar de La invención de Hugo es necesario dividirla en dos partes, lamentablemente para la película aquí está un fallo, ya que hay una enorme diferencia entre ellas, pero vayamos primero a lo no tan bueno.
La historia en sí de Hugo, su vida en los trenes, como repara cosas, como se dedica a robar cosas de las tiendas es poco interesante. Cierto que es necesario y encaja con muchas partes en la historia, sin embargo cuando la película se enfoca en estos aspectos la película se vuelve a ratos cansina y es algo pastelosa. Lo del villano interpretado por Sacha Baron Cohen es de risa, un personaje tan intrascendente como mal dibujado.

Sin embargo cuando conocemos el verdadero propósito de la película es cuando hay nueva luz, y eso significa el homenaje del director a los orígenes del cine, a los grandes pioneros, al comienzo del maravilloso séptimo arte. Nostalgia uno puede sentir al ver varias de estas imágenes, que van desde algunos fragmentos de película mudas hasta la producción y realización de varias de ellas. Creo que Scorsese sabe perfectamente lo que tiene ante él, lamentablemente estamos en una época en que estos pioneros empiezan a ser olvidados y no se les da la importancia que deberían, las personas no conocen sus nombres, y ese el gran pretexto que tiene esta película, el director la disfraza de una película familiar para que todos; chicos y grandes, reconozcan o en algunos casos conozcan a los que comenzaron todo este mundo del cine, un mundo que como bien dicen en la película es un mundo de sueños.

Ya comentado lo de los decorados bestiales, también hay que hacer énfasis en el enorme trabajo de vestuario y maquillaje, artificioso sí, pero se ve espectacular. El montaje y la fotografía son de primer nivel y la música de Howard Shore da el toque para cerrar un gran mundo lleno de realidad pero también fantasía que deslumbra sin duda al espectador.

En cuanto a los actores, uno se pregunta qué pinta la participación de un actor como Jude Law, la escena en la que sale es necesaria pero si hay otro actor no pasa absolutamente nada, igual para varios secundarios que no pasan de ser correctos, y es que hay un pésimo dibujo de varios personajes que uno se pregunta para que están ahí. El debutante Assa Buterfield logra una buena actuación, pero los mejores son una Chloe Moretz de la que estoy enamorado de su rostro y dotes actorales que no son pocos, y un Ben Kingsley muy notable y con mucha presencia en pantalla.

La invención de Hugo es un maravilloso homenaje que los que amamos el cine agradecemos y los que aun no saben mucho también ya que rinde un tributo que es necesario recordar y conocer, si bien la parte dramática de su protagonista esta de mas, uno se queda con las mejores partes y sale satisfecho de la sala. No está a la altura del mejor Scorsese pero está por encima del género con el que ha jugado y ganado.

Restless

Tres personas que tienen de alguna manera contacto con la muerte, un chico que visita constantemente funerales, una chica con una enfermedad terminal, un fantasma tres perspectivas diferentes de ver y afrontar la muerte, de un lado esta el dolor y el enojo, del otro el optimismo y la alegria, del otro la experiencia.

Restless podria ser la mejor pelicula romantica indie que he visto en años, una historia sumamente conmovedora, muy dulce, natural en su estado mas limpio, mas sobrio, resulta muy enamoradiza ademas, puede llegar a ser un poco cursi pero no molesta en absoluto.

¿Cliches? Los hay, a estas alturas imposible no tenerlos y más en este género, pero uno agradece una puesta en escena tan fresca, todo fluye y por momentos no se siente como una película, uno puede sentir empatia con la relación y con los personajes principales, la quimica entre estos dos es maravillosa, unica, en pantalla el amor se ve a todas luces.

Henry Hopper en un menudo debut, tiene momentos brillantes especialmente en la parte final del metraje, pero me tengo que poner de pie porque le tirado con todo a esta actriz que en Alicia en el pais de las maravillas me parecio nefasta, en Los chicos estan bien solo cumplia y en Jane Eyre le quedo grande el papel, pero en Restless ella es lo mejor, una interpretación muy sencilla pero muy grande, enamora la pantalla, su sonrisa, sus ojos, nunca me habia dado cuenta lo hermosa que es. Con todo respeto y espero uno que otro insulto, pero Viola Davis y Rooney Mara le hacen los mandados a una Mia Wasikowska sublime.

No soy un gran seguidor de Van Sant, Paranoid Park me aburrio, Elephant un falso documental simplemente correcto pero bien rematado, El indomable y Milk cumplen y gustan. Esta es la única que me ha entusiasmado de la filmografia de este señor, y vaya si me llego. Me llego mucho, estoy feliz y a la vez triste. Defectos los tiene, al final da igual.

Enamora como pocas.

La Chica del Dragón Tatuado

Las últimas películas de David Fincher han tenido un riesgo bastante enmarcado, la primera tarea fue trasladar el cuento corto de Scott Fitzgerald a la pantalla grande, la segunda fue hacer una película sobre el fenómeno cibernético del siglo el famoso Facebook, en este tercer reto tiene un riesgo doble, ya que se trata de un remake de una película sueca que a su vez se basa en el fenómeno literario europeo del escritor Stig Larsson, The girl with the dragon tatoo es una película notable pero que no logra llegar al máximo nivel del director.

Esta película contiene mucho del cine de Fincher, primeramente tenemos a una protagonista poco usual, que ante los ojos de las demás personas es extraña y que rompe con los estereotipos sociales, en este caso Lisbeth Salander tiene mucho de su Benjamin Button, también tenemos una historia de suspenso donde las mayores claves del misterio están expuestas en forma de pista oculta que requiere de mucha paciencia e inteligencia para descubrirla, en este punto hay mucho de Zodiac y por supuesto tenemos el final sorpresivo y excitante que busca dejar con la boca abierta al espectador como ocurriría en Seven o El club de la pelea.

Efectivamente nuevamente Fincher vuelve a demostrar gran parte de su talento como director, con un excelente arranque de la historia que logra de inmediato apoderarse de la atención del espectador, creando tensión e intriga con una historia bien llevada y una puesta en escena muy sugerente, las escenas explicitas logran su cometido de incomodar al espectador.

Sin embargo tras la primera hora y media de la película donde todo iba muy bien relatado comienza haber baches narrativos, el climax que debería de ser emocionante y sorpresivo realmente no lo es tanto, quizá un poco de culpa tenga que ver que ya conozca la historia, pero siento que ha llegado muy tropezado a este punto. Otro punto negativo es su alargamiento de metraje, especialmente los últimos 20 minutos donde uno ya espera que la película acabe y termina volviéndose desesperante, Fincher no encuentra como finalizar, no encuentra como cerrar el círculo.

Técnicamente es una película muy superior aunque yo no encuentro algo nuevo o algo soberbio, el montaje y la fotografía están muy bien logrados, consiguen crear una atmosfera adecuada ayudados igual de una interesante ambientación. De la música me ha pasado lo mismo que con The Social Network, a mi no me ha sugerido mucho, muy lejos de las grandes del género.

¿Y Rooney Mara? Pues consigue una Lisbeth muy intensa, muy conseguida en momentos, le imprime más humanidad que a la personificación de Rapace, aunque le falta la mirada y presencia que si tenía la mencionada. Daniel Craig me la he tragado por completo su interpretación, ni rastro de su James Bond, y eso es muy difícil, pero lo consigue notablemente.

The girl with the dragon tatoo no termina de ser una película redonda, a pesar de un gran arranque algo le paso a Fincher rumbo al final, y es raro ya que la parte final es lo mejor de la película sueca. Es entretenida y posee escenas muy atrevidas pero llenas de calidad cinematográfica, aun asi mucho sobra en la historia y hay temas que pasan a un segundo término dentro de esta.

Moneyball: El Juego de la Fortuna

En la historia del deporte han sido muchos momentos los que me han estremecido, donde he visto cosas de leyenda, donde uno no quiere nada más que ponerse a aplaudir. Dentro de los momentos más destacados pondría el gol de Zidanne vs Leverkusen en la final de la Champions, el pase de Eli Manning y recepción con el casco para ganar el Super Bowl vs Patriotas, el record del mundo de Bolt despedazando a todos sus oponentes y el regreso más espectacular de la historia del deporte, el equipo que más ha sufrido en la historia del deporte, Medias rojas de Boston dan la campanada y eliminan a Yankees para ir al Gran Clásico de Otoño.

Moneyball no se trata de estos Media rojas pero si se trata de la transformación del juego de beisbol, de un equipo rompedor, de un hombre llamado Bill Beane el cual tenía una visión y mediante esfuerzo, superación y una táctica poca ortodoxa logro llevar a un equipo perdedor como los Atléticos de Oakland a estar dentro de los mejores equipos de la MLB.

Que diéramos porque todas las películas de superación personal tuvieran algo de la dignidad que tiene esta, será porque es una historia real tal vez, pero el director Bennette Miller acierta en no crearnos un contexto tan trágico, para que cuando viene la catarsis uno siente que sea limpia, real, sin ganas de agredir ni pasarse de listo con el espectador. Además de eso Miller narra muy bien su historia, más de dos horas que se pasan volando, no hay tiempo para el aburrimiento, ayudado de un montaje notable que además muy rara ocasión emplea banda sonora.

Ahora la verdad es que el guion de Sorkin vuelve a ser muy elegante sí, pero no existe ni la profundidad en historia ni personajes que si tenía su guion en The Social Network. No hay tantas capas ni tanta madurez, si bien la progresión dramática de la historia es muy bien llevada tampoco lo lleva a otros niveles. Yo sí creo que un seguidor del beisbol disfrutara mas de Moneyball que quienes no lo conocen, no era como en la película de Fincher, te gustaba supieras lo que es el Facebook o no.

En el ramo actoral la verdad es que sin llegar a su mejor nivel Brad Pitt hace lo que quiere con la pantalla, el es lo mejor de la película, el alma y lo que hace estar expectante. Muy fácil el personaje y el demuestra su calibre como actor al bordarlo sin ningún tipo de problemas, una actuación muy premiable aunque quizá haya mejores. Jonah Hill cumple con otra lograda actuación, un secundario muy simpático y que agrada al espectador.

Moneyball es una película que se disfruta tanto por lo entretenida que es como por su calidad fílmica, sin que sea nada del otro mundo hay que agradecer este tipo de películas que no quieren pasarse de listas con el público sino contarnos algo verdadero y con un mensaje honesto.

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Las aventuras de Tintin

Tuvimos que esperar casi 6 años (sin contar la cuarta parte de Indiana Jones que me parecio más un berrinche de la productora) para volver a exponernos frente a un trabajo de Steven Spielberg. Para su esperado regreso ha decidido continuar con su yo aventurero dejando al hombre del látigo a un lado pero teniendo como aliado ahora al reconocido Tintin.

Primeramente decir que la historia me atrapo desde el principio por el misterio que esta encierra, su guión funciona bastante bien más no el carisma de su personaje principal que a mí me ha parecido totalmente nulo. No sé si sea culpa de la animación o del personaje pero de entrañable Tintin tiene lo que Spielberg de director independiente. Sin embargo el personaje interpretado por un hombre que se siente muy cómodo en los papeles por computadora como Andy Serkis me ha ganado totalmente, Haddock es gracioso, con personalidad y a partir de su aparición él es el protagonista absoluto de la película.

Las escenas de acción si bien están muy logradas tampoco me han parecido para echar cohetes por lo que de esta parte estoy algo decepcionado ya que Spielberg siempre nos acostumbró a estar a la vanguardia en cuanto a efectos visuales. Si comparo fríamente el 3D de Tintin con el que para mi sigue siendo el mejor trabajo en este sector (Avatar) la diferencia es muy pero muy amplia, hubo momentos en los que pensé si realmente la utilización de este formato era necesaria, para mi desde luego no.

Aunque la historia no me aburrió sí creo que le falta carisma, le falta el encanto del más comercial Spielberg, no me parece que Tintin vaya a estar a la altura de su Indiana Jones, de sus extraterrestres, de sus dinosaurios, y aunque una secuela está asegurada siento que es más por el factor taquilla que porque el público realmente quiera más.

Aun con todo Las aventuras de Tintin es una interesante película de aventuras, para pasársela muy bien durante 107 minutos, se divierte uno con los chistes y el guión te mantiene atado y deseoso de resolver el misterio, sin embargo cuando las luces se prenden la película se olvida sin más. Spielberg ahora más que nunca necesito que me ganes con tu próxima War Horse.

Nader y Simin una separación

En un año donde directores como Malick, Von Trier, Allen, Almodovar o los hermanos Dardenne nos han entregado trabajos tremendos con todos ellos en plena forma era difícil prever que la mejor película del año viniera de un país como Irán y más aún de un director tan poco conocido como Asghar Farhadi, pero es que Nader y Simin una separación posee gran calidad en los elementos más importantes de un producto cinematográfico, se trata de una película excelentemente narrada, escrita e interpretada.

Una pequeña acción aparentemente insignificante desencadena una serie de eventos y tramas que sustentan esta historia. La película abarca muchos y diversos temas y cada uno lo ejercen en gran forma, pasando por géneros como el drama judicial o el drama familiar, habla de religión, de honor, de conflictos familiares, de creencias, de justicia, de igualdad, de la verdad. Todo ello complementado con unos personajes soberbios todos ellos, con un peso específico y con un trabajo detrás realmente admirable, se ve progresión y personalidad en cada uno de ellos, además agregarle el retrato perfecto de una sociedad iraní creyente y con miedo, la cotidianeidad pocas veces se ve tan natural en pantalla.

La narración es sensacional, no deja espacio para un respiro y se desprende de escenas que no aporten nada, nuevamente cada una de ellas está muy bien pensada y tiene un porque dentro de la historia, el director no se vale de un trabajo artificioso, respeta el estado natural de su película, no existe música ni un trabajo de fotografía que enamore, solo existe un trabajo sencillo pero muy grande, no se nota pretenciosidad sino una mano honesta que pide a gritos enviar un mensaje.

¿Y cuál es ese mensaje? Pues hay muchos, pero yo me quedo con el central y que va hacia una crítica globalizada sobre el divorcio, aquellos a quienes más afecta y que a veces los papás pasan por alto. Los hijos ante todo siempre serán los principales afectados, los efectos secundarios pesan en ellos tanto que puede marcar su vida para siempre.

En cuanto a las interpretaciones, no es que se trate del casting del año, es que es el mejor casting en años, todos y cada uno de los actores están maravillosos y naturales, matizan excelentemente, de todos ellos resalto a los dos hombres Peyman Moaadi y Shahab Hosseini que se avientan un tremendo duelo interpretativo, por momentos y guardando las proporciones me acordaba de Fonda y Cobb en Doce hombres en pugna. También resalto a la niña Sarina Farhadi, hija del director y que tiene un par de escenas donde esta soberbia, especialmente en la última donde me atrapo por completo.

Si fuera americana Nader y Simin una separación se comería todos los Oscar principales, espero que al menos gane la categoría de película extranjera y si no siempre le quedará ese Oso de Berlin donde arraso en los premios con todo merecimiento. Estamos ante la película del año, honesta, sencilla, cotidiana, magistral, es una joya del cine internacional.

La piel que habito

Nunca he entendido toda la pasión que arrastra el señor Pedro Almodovar, será que no logró sentir empatía con sus historias y personajes, o que sus trabajos de realización se me hacen muy poco trabajados e infinitamente mejorables o simplemente sus películas se me hacen muy olvidables. Con La piel que habito no solamente el español ha cambiado su código de barras cinematográfico, sino incluso lo he visto más cómodo y ha sabido hacerme sentir cosas que nunca había logrado con sus anteriores trabajos, su cine se ha convertido en algo poco común y enfermizo que me ha mantenido al filo de la butaca, por esto y mucho más para mí La piel que habito es la mejor película de Almodovar y una de las mejores del año.

La película primeramente hay que decirlo está muy lejos de ser perfecta y es que los primeros 30 minutos son bastante nulos incluyendo la famosa escena del tigre que pareciera ser de una película totalmente diferente, personajes muy mal dibujados como el de Marisa Paredes; que ella por cierto no tiene la culpa y lo peor es que no consigue atraerme, no consigue que me interese, parece que estoy ante el Almodovar de siempre y que a mí no me emociona.

El español sale de ese gran desliz y comienza ya con una narración más fluida a contarnos la trágica historia del doctor Robert y su familia. Poco a poco lo vamos conociendo a él y a lo que lo motiva realizar sus acciones. Aparecen sin embargo unos personajes de los que nuevamente no entiendo su función dentro de la historia, otra vez hay una escena mal hecha como la de la fiesta pero la historia del personaje principal ya me atrapo y quiero ver hacia donde se dirige.

Llega entonces la escena del secuestro y ZAZ. ¿Qué es esto? Un thriller psicológico potente, todo encaja ahora, esos personajes que no parecían aportar nada encajan de una manera solvente, limpia. Esta parte me ha resultado una combinación muy inusual de Swenney Todd con Vértigo y sus tintes almodovarianos por supuesto que no pueden faltar. Siento angustia, me pervierte y me enferma, el miedo me invade, Almodovar me mantiene al filo de la butaca con ya un estilo visual mejor definido y consigue algunas de las mejores secuencias de toda su carrera. Estos 20 o 25 minutos si no mal recuerdo son un DIEZ ABSOLUTO, algo soberbio en cada aspecto. Banderas con su mirada que pervierte, Cornet sacando el máximo provecho en sus escenas y Anaya esta fantástica. Ni siquiera me ha molestado la escena de las escaleras, en su tono encaja a la perfección. El final predecible sí, pero muy justo y 100% Almodovar, no había otra forma en que debería haber finalizado.

Se le puede acusar de muchas cosas a La piel que habito pero nadie puede negar que corre riesgos, puede gustar o no pero uno debe reconocer la valentía de Almodovar ya que se encontraba bastante cómodo con sus dramas sobre las mujeres y su universo, aquí cambia y al menos a mi me ha encantado, espero que se quede con este registro que me gusta muchísimo más.

Es irregular por sus cambios bruscos de nivel, pero yo me quedo con lo mejor de esta Piel que habito, esa tensión, ese miedo, ese atrevimiento, esa entrega, esa fuerza a la hora de trasmitir emociones que hace que no sea una película plástica visual más, esta tiene alma por los cuatro costados.

Another Earth

Una muy grata sorpresa.

Another Earth toma de pretexto su premisa inicial sobre el descubrimiento de un nuevo planeta identico a la Tierra para crear una historia sobre la autocritica, sobre vernos en el espejo, de como nuestros actos no solamente afectan a una vida, sino a varias.

La película tiene momentos de enorme calidad cinematografica gracias al trabajo del director Mike Cahill que consigue planos y escenas excelentes, con uso adecuado de su musica muy bien montada ademas. Muchas moralejas de vida y un par de personajes muy complejos son los mayores atractivos de una historia, a pesar de que no contiene un ritmo elevado y no existe la evolución como uno quisiera, por hora y media se trata de una pelicula muy notable con la que muchos espectadores podran sentir empatia.

La historia entre los dos protagonistas no termina del ser toda redonda, debido a su complejidad de ambos uno esperaria mas acercamientos hacia su personalidad sin embargo el guion se salta este paso (aunque ella si posee mayor profundidad) y crea un lazo un tanto forzado y predecible. Su resolucion busca un tanto la salida facil, y uno hubiera querdio mas.

Lo que mas me ha gustado es su final, de esos que te obligan a la interpretacion.

Brit Marling dará mucho de que hablar en proximos años, consigue una muy destacada interpretación, consigue momentos muy logrados para un papel tan desafiante. Por su parte William Mapother (los Losties lo pueden identificar como Ethan) no sale tan bien parado, creo le falto manejar mejor los matices, de igual forma como dije su personaje daba para mas tanto a nivel guion como interpretativo.

Another Earth gana mucho con las lecciones de vida que desea mandar y por su personaje femenino pero no consiguen redondear la obra debido a, mas que falta de atrevimiento yo diria falta de experiencia, de profundidad porque bien se puede observar que las intenciones estan ahi.

Miss Bala

Gerardo Naranjo crea con su Miss Bala un retrato muy detallado; a través de los ojos de una mujer cuya máxima aspiración es ser reina de belleza, sobre el crimen organizado en México, lo que sucede día a día en el país, y lo hace de manera valiente, honesta y muy cruda sobre todo.

El director logra realizar escenas de gran calidad, se ayuda de los planos fijos para crear secuencias de varios minutos sin quedarse en un solo punto de la locación lo que requiere de una gran planificación de escena y aquí el señor destaca notablemente. Crea escenas de enorme tensión, consiguiendo la atmosfera adecuada y sacando el máximo provecho de su actriz, una Stephanie Sigman que por momentos consigue tocar un punto muy alto de interpretación aunque claramente le falta maduración para manejar los tonos de intensidad.

A nivel narración es quizá lo menos bueno de la película, muy plana, muy documentalista, Naranjo no se ayuda de ningún tipo de artificios, si a eso le sumamos que el guión no es nada del otro mundo tenemos como resultado una historia que se vuelve muy repetitiva en sus situaciones, durante la primera hora funciona a la perfección pero luego ya no sorprende, se vuelve muy automática y de un ritmo bastante irregular. Lo peor son las escenas del concurso, bastante fallidas a nivel realización, de nulo interés y poco manejo del contexto situacional.

De lo que más se me ha quedado grabado son esas sensaciones de miedo y horror que me han provocado ciertas escenas, uno puede sentir ese aire de familiaridad, no poder estar seguro en ningún lado, que incluso en el lugar menos esperado el terror se puede hacer presente. En este punto Miss Bala me ha dado más miedo que cualquier película de terror de que haya visto últimamente.

La representante de México para los Oscar es una película tan realista que por momentos se pierde la esencia de lo que es una película para convertirse en un documental con una atmosfera poderosa pero de narración irregular.

Beginners

No entiendo el exito tan rotundo que esta teniendo entre los criticos y premios la película indie de esta temporada Beginners.

Parte de una muy notable argumento, ademas de muy real, el hombre que ha tenido que ocultar su verdadero "yo" por miedo a la sociedad y sus estandares. Sus ultimos dias de vida seran los que este hombre (bien interpretado por Christopher Plummer pero que a años luz de ultimos ganadores del Oscar a mejor actor secundario de ganarlo) intentara finalmente ser feliz.

Ya me imagino en manos de Woody Allen lo que hubiera sido. El problema es que Mike Mills nunca encuentra los tonos adecuados, no se si Beginners es un drama o busca ser una comedia sofisticada, a media en ambos caminos y termina por estrellarse una direccion que tiene cero personalidad, tirandole al rollo tipo Amelie innecesariamente y no consiguiendo en ningun momento la atmosfera adecuada ni una empatia para el espectador.

Del elenco como dije Plummer esta muy bien lo mismo que Melanie Laurent que enamora la camara aunque tampoco su personaje es tan complicado. Al que noto desubicado es a McGregor y es que el señor no consigue tener el peso de la pelicula, no transmite nada, una interpretacion que parece quedarse en el piloto automatico.

Muy lenta, a mi el montaje no me molesto pero tampoco lo aplaudo. Este año hemos tenido varios ejemplos de tener muy buenas ideas y no saberlas ejecutar en la gran pantalla, In time, Sucker Punch y ahora Beginners.

Pasable unicamente y es que posee algunos momentos agradables, especialmente los dedicados al personaje de Plummer.

Drive

Drive es claramente una combinacion entre Taxi driver y el estilo visual del cine de David Lynch de los 90s (Corazon salvaje y Carretera perdida), el director Winding Refn crea una gran atmosfera con un excelente uso del montaje y fotografia pero falla en lo verdaderamente importante del cine de Lynch que es la capaicdad de trasnmitir cualquier cantidad de emociones con una sola toma, con una escena, en hora y media a mi Drive no me ha transmitido absolutamente nada.

El personaje principal es bueno ciertamente pero el resto estan muy desdibujados, sin peso, de cero personalidad. Ademas la historia no evoluciona, no existe progresion y se gastan un par de escenas nefastas (como la del elevador). La direccion es buena pero de eso al trabajo de Malick hay años luz, un premio totalmente fallido el de Cannes.

Tiene sus cosas buenas como el soundtrack que lo sabe utilizar para que varias escenas queden magnificamente montadas y los primeros 15 minutos que son muy notables, en especial ese prologo que parecia vislumbrar algo mas grande, lamentablemente para mi se quedo chico.

Los actores hacen buenas interpretaciones pero ante personajes tan pobres tampoco veo una interpretacion que se salga. De Gosling prefiero mil veces su performance en Blue Valentine.

En resumen Drive tiene un gran estilo visual y correcta ejecucion de imagenes pero no transmite nada y el guion esta lleno de baches que termina convirtiendose en una pelicula mediocre.

Melancholia

En el cine actual no debe haber un director que sepa lastimar psicológicamente al espectador como lo hace el danés Lars Von Trier, un tipo tan brillante e inteligente como puede ser ególatra e irresponsable, hablando esto último de sus comentarios en el reciente Festival de Cannes. Con este director todo es blanco o negro, lo admiras o lo odias, no hay un término medio.

Melancholia es otra obra muy singular del director, película que narra un nuevo apocalipsis de la humanidad, si Tree of life era sobre la el nacimiento de la vida esta es sobre la destrucción de la misma. Con la película de Malick comparte muchos elementos, uno de sus géneros que utilizan son el del drama familiar, ambas buscan por momentos ser una poesía en imágenes, las dos buscan explorar en los miedos más profundos del ser humano. En este último punto la de Von Trier gana de todas todas.

Si existe una importante diferencia con varios fragmentos del metraje, algunos totalmente intrascendentes, más los que exploran psicología del personaje de Dunst que están descontextualizados con el resto de la historia pero que invitan al espectador a preguntarse ¿Qué mueve a este personaje? ¿Por qué sus actitudes?

Las escenas familiares son bastante notables, muy bien interpretadas por cada uno de los actores, especialmente un Kiefer Sutherland que a mí al menos me ha sorprendido, el niño de la película muy bien igual y John Hurt contribuyendo con su enorme experiencia. Estas escenas recuerdan mucho a las de Festen, con la diferencia de que ahí los problemas familiares cuajaban de mejor manera con la historia, aquí se ve que Von Trier no es un director que sepa manejar este tipo de dramas, lo de él son las tramas que golpean al espectador en lo más profundo de su ser.

El trabajo psicológico del personaje de Charlotte Gainsbourg me ha creado una empatía muy particular, su miedo ante una posible catástrofe me ha lastimado de manera limpia, lo admito el sueño fue muy complicado de conciliar. Me ha impactado en tan solo 30 minutos, que son para mí esos particularmente los mejores de todo el año. La mezcla de poesía y horror perfecta, y con Gainsbourg en una interpretación monumental, para mí el premio a Mejor actriz en Cannes debió ir para esta mujer y no para su co protagonista Kirsten Dunst que esta excelsa, pero no al nivel de la actriz francesa.

Visualmente el estilo del danés están ahí en cada imagen, en cada detalle que aplica en su puesta en escena, en como maneja la música por momentos para crear escenas tan frías como atrevidas.
Melancholia me ha golpeado fuertemente en mi ser y en mis pensamientos, como lo dije en el primer párrafo este señor sabe como lastimar. Yo coloco a esta obra suya entre mis 3 películas favoritas de su filmografía y de largo la mejor del cine de catástrofes naturales.

El Precio del Mañana

En un mundo futurista el dinero ya no existe, ahora todo se paga con minutos, horas, días o años de vidas y si lo administras bien podrías vivir todo lo que desees, incluso alcanzar el sueño máximo del hombre, la inmortalidad. De este interesantísimo argumento se desprende la película In Time, nueva película del director Andrew Nicol, director de la bien valorada Gattaca.

El director consigue un muy buen dibujo de su mundo futurista, ahora que todo se paga con la vida hay que tener mucho cuidado de saberla administrar y sobre todo cuidar, porque todo el mundo siempre quiere más vida. Yo veo como un gran acierto poner en la película un tema muy actual como es la inflación, aquí sucede lo mismo y por lo tanto también hay clases sociales.

Hay muchas preguntas que la película te va planteando conforme avanzas los minutos sobre este modo de vida ¿Qué harías si tuvieras 100 años de vida? ¿La estas aprovechando al máximo? ¿Cuál es el valor de tu vida? ¿El ser humano está realmente hecho para ser inmortal? ¿Todos sin excepción deberíamos de morir? Cada quien responderá subjetivamente estas cuestiones, y lo que uno esperaría de una película con un argumento tan sólido es que siguiera en esta misma línea, no es asi, de pronto al director le entra el pánico de lo que pudo ser un parte aguas del cine moderno de ciencia ficción y se va por la línea segura, como bien se dice durante la película, no arriesga.

Tras esa media hora excelente el tono cambia y el personaje de Justin Timberlake se convierte en una especie de James Bond (con gusto por el póker, los autos y las mujeres) y entonces tenemos una película de acción con un excelente ritmo, buena ejecución de algunas escenas, otras no tanto, sobre todo en la acción le falta para llegar a esa adrenalina que uno esperaría, sin embargo bien llevada y que más que a otra película me ha recordado a Bonnie & Clyde.

La película peca de evasión y obviedad, está claro que si la película tiene éxito comercial se buscara realizar una secuela, o al menos esa impresión me ha dejado. Se trata de un producto con muy buen hilo argumental que se ayuda de este para crear una muy entretenida película de acción, con sus baches de guión pero que te hace pasar un excelente rato por dos horas, pero como dije después de ese gran arranque de propuesta uno queda decepcionado por el camino que Andrew Nicol ha decidido tomar.

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